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martes, 15 de marzo de 2022

LO MEJOR DE LOS PREMIOS FEROZ 2022

LUCÍA PÉREZ MELERO / IEM - TEL

El sábado 29 de Enero se celebró la IX edición de los Premios Feroz realizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España. Entre los galardonados destacaron: "Maixabel" y "El buen patrón" en cine, y "Cardo" y "Venga, Juan" en series.

Asociación de Informadores Cinematográficos de España
Asociación de Informadores Cinematográficos de España

Esta novena gala de los premios se tiñó de morado para dar el Premio de Honor a Cecilia Bartolomé por su trayectoria como guionista, directora y productora del cine español. Seis grandes directoras del cine español, Julia de Paz, Paula Ortiz, Pilar Palomero, Leticia Dolera, Neus Ballús y Ainhoa Rodríguez, entregan el premio después de unas bonitas palabras y recuerdos de su vida como cineasta. Cecilia Bartolomé fue de las primeras mujeres que se atrevió a abordar en sus obras temas feministas que se consideraban tabú en la época, como el aborto o el divorcio.



Destacó también el discurso de agradecimiento que dio Petra Martínez cunado recibió el Premio a Mejor Actriz Protagonista por "La vida era eso". Petra dijo que el resto de sus compañeras y compañeros galardonados habían usado todas sus ideas para de agradecimiento por lo que sus palabras terminaron hablando sobre su propia vida sexual y la importancia se tratar este tema de una forma abierta y sin tabús.

Por último, quiero destacar también, el "diálogo" que mantuvieron Ane Gabarain y Elena Irureta sobre la maternidad. Con cierto grado de ironía, trataron, entre otros, un tema muy importante en el mundo del cine: la invisibilidad de la mujer.  

Me gustaría recomendar uno de los coloquios que se hicieron previos a la gala "Cine feminista: de la Transición hasta hoy" ya que se tratan temas muy importantes en la sociedad actual además de hacer un repaso por la historia del cine desde el punto de vista del feminismo.



sábado, 29 de mayo de 2021

Las bibliotecas en el mundo del cine

Paula Rodríguez Maroto/ICT-CIN 


¿Cómo sería Matilda si no hubiera pisado nunca una biblioteca?

¿Habría Atreyu salvado el Reino de Fantasía si Bastian no hubiera entrado a la de su colegio? Y Finn Carsen, ¿habría conocido a Excálibur si no hubiera empezado a trabajar en una?

Actualmente en el mundo del cine las bibliotecas no gozan de la mejor imagen, y si bien es cierto que existen excepciones como las nombradas anteriormente, la mayoría de las veces, el mundo de las bibliotecas termina resultándole al espectador algo monótono, aburrido y con un personal bastante desagradable.

Empecemos por los y las bibliotecari@s:

Bibliotecarias:

Por lo general las películas suelen representar a una bibliotecaria (mujer), desaliñada (generalmente con moño, gafas y con una vestimenta anticuada), soltera y tímida, que se pasa todo el rato pidiendo callar. En caso de que este personaje sea la protagonista de la película, el tema principal de la obra suele ser la búsqueda de amor. Algunos ejemplos de esta situación pueden ser “Forbidden” y “Navy Blues”. Otro caso puede ser en de “Adventure”, donde la bibliotecaria sí resulta atractiva, pero sigue teniendo que llevar las gafas para que se la asocie con su trabajo. Aunque no nos alarmemos. También hay películas que dejan a un lado este cliché y abandonan la imagen errónea de las bibliotecarias. Un ejemplo puede ser “Storm Center”.

Bibliotecarios:

La imagen masculina suele ser también vista de una forma negativa. Por lo general, el personaje del bibliotecario suele ser secundario, sin mucha importancia en la película. Además, se ocupa de mandar silencio y colocar libros (cuando, a estas alturas del curso, ya sabemos que no es lo único que se hace en una biblioteca). Un ejemplo que seguramente conozcamos todos es el fantasma bibliotecario de “Ghostbusters”. Menos mal que existen películas como “The librarian”, donde, no solo es el protagonista, sino que también sumerge a los espectadores en multitud de aventuras fantásticas, dignas de un superhéroe.

Ahora hablemos de las bibliotecas:

Las bibliotecas en las películas suelen ser representadas como lugares silenciosos, tranquilos, donde poder adquirir los documentos e información que precisan los personajes. Este es el caso de Holly Golightly en “Breakfast at Tiffany’s” (con Audrey Hepburn). Y cómo olvidarnos de “Der name der rose”, película tan nombrada en la carrera de Información y Documentación. Y si de cine español hablamos, puede venirnos a la cabeza “Tesis” de Amenábar (en este caso, se trata de una filmoteca de la facultad de la protagonista).

También aparecen en ocasiones bibliotecas privadas, en “Beauty and the beast”, en “The Ninth Gate” (protagonizada por Johnny Depp) o en “Atonement”, donde la escena no será especialmente tranquila.

Conclusión:

Existe una tremenda falta de conocimiento acerca del mundo de las bibliotecas. Esto puede llegar a provocar el rechazo a estos lugares y sus trabajadores por parte de quienes ven las películas.

El estereotipo de las bibliotecas debería renovarse para convertirlas en los lugares tan maravillosos que realmente son. 


Portada de "Matilda" (1996) - Filmaffinity.com

Portada de "The Neverending Story" (1984) - Sensacine.com 

Portada de "The Librarian 1" (2004) - Sensacine.com

Portada de "Forbidden" (1932) - Filmaffinity.com

Portada de "Navy Blues" (1941) - peliplat.com

Portada de "Adventure" (1995) - Filmaffinity.com

Portada de "Storm Center" (1956) - Filmaffinity.com 

Portada de "Ghostbusters" (1984) - Sensacine.com

Portada de "Breakfast at Tiffany's" (1961) - Wikipedia 

Portada de "Der Name der Rose" (1986) - https://www.filmaffinity.com/es/film288865.html

Portada de "Tesis" (1996) - https://www.filmaffinity.com/es/film531662.html

Portada de "Beauty and the Beast" (1991) - https://es.ign.com/la-bella-y-la-bestia-disney 

Portada de "The Ninth Gate" (1999) - https://esculpiendoeltiempo.com/2017/09/05/la-novena-puerta-the-ninth-gate-1999-de-roman-polanski/ 

Portada de "Atonement" (2007) - https://www.filmaffinity.com/es/film412237.html 







                          




martes, 25 de mayo de 2021

"TRILOGÍA DE EL PADRINO"

Daniel Luque Jiménez/ ICT-CIN

Francis Ford Coppola estrenó en marzo de 1972 El Padrino, que por méritos propios se ha convertido en una película de culto. En 1974 llegaría la primera secuela, considerada igualmente entre los mejores filmes de todos los tiempos, y diez años más tarde la última de la saga, siempre infravalorada.

Para llevar El Padrino a la pantalla, el director Coppola se hizo cargo del guion junto a Mario Puzo, autor de la novela homónima, y logró una magna obra.

Las tres cintas cuentan con una ambientación soberbia, una fotografía maravillosa y una banda sonora sin igual (¡ese vals!), debida a Nino Rota, que anuncia siempre los grandes momentos.

Naturalmente, los actores pasan a un primer plano, brillantes todos los protagónicos: Marlon Brando como Vito Corleone, reiterando que fue un maravilloso actor; Al Pacino, con su cambiante Michael Corleone, en las tres entregas, hasta aquel grito de dolor inescuchable que hiela la sangre; el excelente Fredo de John Cazale; el Sony de James Caan, y un escalofriante Robert de Niro como el joven Vito.

Revisitando la saga quiero solamente destacar algunas escenas inolvidables y frases que algunos dicen, decimos, sin citar haberlas tomado de El Padrino.

¿Escenas? El asesinato de Sony, la venganza de Michael mientras bautiza a su sobrino, hijo de Connie (Thalia Shire) y el duelo actoral Brando-Pacino durante la última conversación antes de la muerte de Vito Corleone.

Recordemos algunas frases: «cada hombre tiene su propio destino» (primer filme), «le haré una propuesta que no podrá rechazar» (segunda entrega) y, «justo cuando creía que estaba fuera me vuelven a involucrar» (tercera).

La primera entrega ganó tres premios Óscar (mejor película, mejor actor para Marlon Brando y mejor guion adaptado) de once candidaturas posibles, mientras que la segunda entrega ganó seis (mejor película, mejor director para Coppola, mejor actor de reparto para Robert De Niro, mejor guion adaptado, mejor banda sonora y mejor dirección artística) de once nominaciones posibles, en total nueve premios Óscar. Por su parte, la tercera no tuvo la misma repercusión de público, y además obtuvo siete nominaciones al Óscar pero no consiguió ningún premio.


                                              La trilogía de "El padrino" de Francis Coppola

                                              Fuente: encadenados.org

domingo, 23 de mayo de 2021

"StageCraft" y la revolución del cine

 Emiliano Juárez Serrano / ICT-CIN

El Stagecraft es una innovadora tecnología de grabación que parte de los principios presentados por la retroproyección, técnica cinematográfica clásica de los años 30. Esta proyección se realizaba desde la parte trasera de la pantalla proyectando así, una imagen invertida que servirá de fondo. De esta manera, la retroproyección lograba simular que una escena grabada en el exterior se proyectara como fondo de la acción real filmada en un estudio.

                                       Ver las imágenes de origen
                                                                 Escena de "Casablanca" con el uso de retroproyección
                                                                                        Fuente: Warner Bros © 

Por su parte la tecnología del Stagecraft ofrece un inclusivo entorno para la grabación. Este espacio físico recibe el nombre de "El Volumen". Está formado por un suelo físico o real y tres grandes paneles LED con resolución 4K denominados Render Nodes. Se sitúan dos como objetos envolventes (lado derecho e izquierdo) y uno, haciendo la función de cielo, sobre el suelo. De este modo, el equipo técnico quedaría delante del escenario de grabación. El estudio, por lo tanto, mide 25 metros de diámetro de anchura de los paneles y 6 metros de altura.




Uso de Stagecraft en "The Mandalorian"
Fuente: Lucasfilm ©

Una gran diferencia entre las dos técnicas es el hecho de que en retroproyección se utilizan imágenes pregrabadas, en su lugar Stagecraft utiliza el motor grafico Unreal Engine 4 para procesar el fondo, el cual se usa también para múltiples videojuegos. La primera empresa en utilizar este método a sido Disney, con la serie "The Mandalorian" consiguiendo unos efectos especiales dignos de una película de gran presupuesto, en cuanto a peículas algunas como "Ad Astra" ya la están usado.

La Leyenda de HEI

Yingqiong QiangICT-CIN

“La Leyenda de HEI” es una película de animación china dirigida por MTJJ (autor de animación). Cuenta que el elfo gato Luo Xiaohei comenzó su viaje errante porque su casa fue destruida. En un accidente, conoció a un hombre llamado Wu Xian. Gente, uno persona y un gato se embarcaron en una aventura de fantasía.

Fuente: https://movie.douban.com

En el bullicioso mundo humano, muchos elfos se esconden en ellos y viven en paz con los humanos. El elfo gato Luo Xiaohei comenzó su viaje errante porque su casa fue destruida. En este viaje, los elfos comprensivos y los amigos humanos armoniosos e inclusivos aparecieron uno tras otro, dejando a Xiaohei en un dilema sobre a dónde pertenece realmente.

Fuente: https://image.baidu.com

La cura más grande que esta película le brinda a la gente es que puede traerlo de vuelta a la perspectiva de ser intrépido y no discriminatorio hacia el mundo, permitiéndole volver a visitar este mundo complejo y encantador. Desde el prejuicio de Luo Xiaohei contra Wu Xian y otros seres humanos al principio, hasta la lucha junto con Wu Xian al final, toda la película está llena de calidez y conmoción.

Luo Xiaohei(Forma humana) y Wuxian
Fuente: https://image.baidu.com

La película utiliza escenas de acción muy delicadas y escenarios muy suaves para mostrar una enorme visión del mundo. Y las escenas de lucha en la película también son muy emocionantes, lo que se puede decir que es un muy buen trabajo en las películas de animación chinas.

 Por supuesto, no es solo una película. Ya publicó anime “La Leyenda de Luo Xiaohei” en 2011 y publicó una colección de cómics en 2015. Es una de las animaciones más populares en China.


viernes, 21 de mayo de 2021

Mujercitas

 Desirée Alderete / ICT-CIN

Mujercitas o Little Women es una película dramática estadounidense de 2019 escrita y dirigida por Greta Gerwig. Es la séptima adaptación cinematográfica de la novela de 1868 del mismo nombre de Louisa May Alcott. Publicada en dos partes entre 1868 y 1869, es un clásico de la literatura femenina (y protofeminista) que abuelas y madres suelen compartir con sus nietas e hijas, como es mi caso. Narra las vidas de las hermanas March, Jo, Meg, Amy y Beth, durante el siglo XIX. Estas viven con su madre en una Norteamérica que sufre su Guerra Civil. Con sus variadas vocaciones artísticas y anhelos juveniles, descubren el amor y la importancia de los lazos familiares. Está protagonizada por un reparto compuesto por Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Timothée Chalamet, Meryl Streep, Tracy Letts, Bob Odenkirk, James Norton, Louis Garrel y Chris Cooper. 

La película recibió seis nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Actriz (Ronan), Mejor Actriz de Reparto (Pugh) y Mejor Guion Adaptado, y ganó el Premio al Mejor Diseño de Vestuario. También recibió nominaciones para los Premios BAFTA y los Globos de Oro. 

Gerwig hace hincapié en el subtexto feminista de la obra . En la nueva versión, además, se fusiona el texto original con la vida de Louisa May Alcott, de quien Jo era una especie de alter ego. Una novela en la que mezcló elementos de la literatura juvenil del momento, con romance, drama y comedia. Pero sobre todo, una novela que describió como ninguna la juventud femenina y los miedos y alegrías de ese temido y complejo paso de la infancia a la edad adulta. Sin duda, el personaje más inspirador de la novela es el de Jo March, una joven que se escapaba de todas las normas y convencionalismos de la época: es rebelde, imaginativa, y tiene la ambición de ser independiente económicamente gracias a su trabajo como escritora. Un personaje modernísimo para la época en la que está escrito y que rompe moldes y comienza a abrir mentes sobre el absurdo concepto de feminidad. La gran diferencia de la versión de Gerwig es su estructura pues, la historia empieza prácticamente por el final de la novela y todo lo que vemos a partir de ahí, son los recuerdos de su protagonista, Jo March, desorganizados cronológicamente. Todas las hermanas tienen su momento para participar en la trama y nos permite conocer a fondo a cada una de ellas, tal y como leemos en la obra de May Alcott. 

Las hermanas March de Gerwig son libres, ambiciosas y luchadoras. Todas sueñan y tienen miedos, todas crecen y sufren. Verbalizan su situación y limitaciones como mujeres: la idea de Jo de que a las mujeres se las relegue sólo al amor o la conciencia de Amy de que, para las mujeres, el matrimonio es un contrato económico. Con la película, Greta Gerwig otorga un poder total a la mujer sobre su obra, una oda a la mujer creadora sin encorsetamientos. Sin duda,  Mujercitas de 2019 se parecería bastante a la novela si ésta se hubiera escrito en nuestros días. 

Y, a mi parecer, Louisa May Alcott estaría orgullosa. Lo llamativo, es que a pesar de que la trama se enfoque en el pasado, los cuestionamientos sobre el espacio que ocupa la mujer en el mundo continúa siendo vistos en la actualidad. De esta manera, pese a estar ambientada en el siglo XIX, Mujercitas da cuenta de lo fundamental que resultó la creación de personajes femeninos complejos en una época donde las mujeres sólo servían para pensar en encontrar un hombre adinerado, casarse y tener hijos. No podían valerse por ellas mismas, ni ser fieles a su instinto.


                 

                                                        Fuente: Pinterest. 



                                                        Fuente: Pinterest. 



                                                              Fuente. Pinterest. 

jueves, 20 de mayo de 2021

Orgullo y Prejuicio

Desirée Alderete/ ICT-CIN

En 2020 se cumplió 15 años desde el estreno original de Orgullo y prejuicio, una adaptación de la novela homónima de Jane Austen que refleja los códigos sociales de entonces, pero desde una perspectiva feminista, elaborada y más allá de lo romántico. 

En esta ocasión, Deborah Moggach es la encargada de adaptar las aventuras y desventuras de la familia Bennet. Para quien no haya leído el libro o visto la película, la trama se basa en una familia inglesa de clase baja burguesa que está formada por la señora Bennet, el señor Bennet y sus cinco hijas, que viven en Inglaterra a finales del siglo XVIII. Con la llegada de algún joven a la zona, la señora Bennet se emociona y vive con el anhelo de que alguna de sus hijas pueda contraer matrimonio. Con cinco hijas y sin ningún tipo de apoyo económico, cuando el padre muera las cinco mujeres y la madre se verían sin poder contar con una libra de su familia, de ahí la agonía de la madre por encontrar un marido para cada una de ellas. Por otra parte, ser mujer en la sociedad de la época implicaba pocos privilegios; entres ellos la no disposición de herencia. El mayorazgo solo se transmitía por linaje masculino y, por lo tanto, las jóvenes se dedicaban a la búsqueda de marido con gran patrimonio para no caer en la pobreza. Las mujeres se presentaban como moneda de cambio y en su valor va incluido la belleza. 
Elizabeth, la más rebelde de todas, verá cómo su mundo se desmorona cuando conoce a un tipo llamado Darcy, del cual es muy difícil saber lo que siente. Así pues, la película está ambientada en una época en la que el poder de las palabras tenían mucha más importancia que ahora. Una época llena de un gran romanticismo, cuando esta "palabra" tenía algún significado. Cuando las sutilezas y los pretextos tenían un papel importante. 
El guion realiza una visión de la figura de la mujer de entonces, donde se daba mucha importancia a la imagen pública y al matrimonio que contraían las mujeres. Sin embargo, al igual que el libro original, su perspectiva se centra en la ruptura de ese estilo de vida, mostrando la rebeldía de su principal protagonista: Elizabeth. Es una historia sobre estas mujeres, y no de los hombres que les acompañan. Su mayor fuerte, bajo mi perspectiva, es que no se centra únicamente en la historia romántica que se plantea, sino que va más allá. Es cierto que hay partes en las que se peca de ingenuidad, pero en otras expone las obligaciones y el peso de ser mujer en esa época. Al ser un drama de época, esa lucha por la libertad y la libre elección debe idearse dentro de una coherencia. 
Esta película, sin duda, consigue obtener ese alegato feminista, pero sin forzarlo, aunque su final nade más hacia el tono romántico. Asimismo, la dirección de fotografía y de arte son brillantes, con una exposición inmensa de los espacios y de unas localizaciones muy cuidadas. 

En mi opinión, esta película proporciona el disfrute de aquellos que miran el amor con los ojos de antaño, pero que sin embargo, se queda a medio camino a la hora de definir ese complejo sentimiento, cosa que pretende con la relación de los dos protagonista principales y, cosa que, a mi parecer, no consigue.  



Fuente: Pinterest.



Fuente: Pinterest. 



martes, 23 de marzo de 2021

Songbird, una aproximación al futuro con COVID-23

 

Stephanie Ortega Lozada/ ICM- CIN

Songbird, traducido al español como Inmune, es una de las pocas películas en cartelera actualmente centrada en la pandemia COVID-19. Es una película de drama, romance y ciencia ficción. Fue escrita por Adam Mason y Simón Boyes y del productor Michael Bay  (“La Purga”) junto a Adam Goodman, Andrew Sugerman y Eben Davidson.

Los protagonistas de Inmune son  Sofia Carson (los descendientes) junto a KJ Apa conocido por su destacado papel en (Riverdale) y a ellos los acompaña rostros conocidos como Demi Moore, Bradley Whitford, Craig Robinson, Jenna Ortega, Paul Walter Hauser y Alexandra Daddario. 

La película se sitúa cronológicamente en el año 2024 en una ciudad que se encuentra devastada a causa de un aumento de casos por una sepa del virus que mata en 48 horas, por lo que las autoridades ejercen un control sobre los infectados para llevarlos a campos de cuarentena que en realidad son vertederos. Esto provoca un gran miedo entre la población ya que estar enfermo te pone en la mira de las autoridades.

Un punto importante es el papel que ejercen los inmunes en plena pandemia como son los únicos que pueden salir, estar al aire libre, trabajar y estar en contacto con otras personas y esto les da ciertos “privilegios” como lo es principalmente la libre circulación, sin embargo no es tan bonito como parece a simple vista ya que aunque pueden estar en contacto con otras personas, realmente esto no es así porque pueden tener el virus encima y contagiar a los demás, lo que supone un gran riesgo para la población así que terminan siendo los inmunes los que realmente se encuentran aislados del mundo debido a que se les limita el contacto con otras personas es un poco contradictorio.

Por otra parte, falto incluir en la película temas como los temores acerca de la vacuna y a que factores se debe que el virus avance y olas tras olas de contagios, además no enfoca el punto de vista médico, social y político solo se centra en una trama muy minúscula de amor y corrupción y es allí donde eche en falta otros aspectos como los ya mencionados.



Fuente: https://www.youtube.com/watch?v=IgxXSfto6Vo


Introducción a la Nouvelle Vague

Laura Marquino Fernández. ICM-CIN


Para poder entender mejor tanto la corriente como las propias características a la hora de filmar en este periodo, es necesario saber que la nueva ola francesa se sitúa a partir de la II Guerra Mundial. Esto supuso una ruptura generacional y la aparición de la libertad en casi todo el mundo, a excepción de entre otros países España, que mantenía la dictadura franquista. La ola de libertad alcanzó de lleno al cine, y el país en que rompió con más fuerza esta ola fue una Francia en plena revolución social y política.
El término Nouvelle Vague aparece por primera vez impreso en Francia, 1957 cuando es publicado en el semanario L ́Express un artículo titulado con el nombre que designa a esta generación, insinuando en el mismo el cierto poder que tendrán estos jóvenes cineastas en el futuro, el cual comenzaría en 1959 hasta 1969 aproximadamente. La nouvelle vague es considerada por sus integrantes como un método o tendencia, donde a través de una nueva generación de directores tratan de experimentar con opciones cinematográficas consideradas aberrantes o bien restringidas en aquella época, poniendo en práctica recursos que no eran bien vistos a través de un cine de autor e independiente que toma forma y popularidad a través de este movimiento. 

Fuente: Pinterest

El punto de partida inicial dentro del largometraje en esta nueva generación de directores lo podemos situar en Chabrol, estrenando El bello Sergio (1959) y posteriormente el fenómeno que se produce en el Festival de Cannes, el cual es acompañado de un debate en los medios de comunicación, donde Marcel Camus obtiene en Cannes la Palma de Oro con Orfeo Negro (1959), François Truffaut 3el premio a la mejor dirección por Los 400 golpes (1959) o Alain Resnais recibe el apoyo del público y la crítica por Hiroshima mon amour (1959). Estas películas son consideradas como obras que se diferencian considerablemente de la producción convencional de la época, definiendo y consolidando la Nouvelle Vague. A partir de este momento, el número de óperas primas (se entiende como la primera obra artística de un autor) y de nuevos realizadores no hace más que aumentar. En diciembre de 1959 Chabrol estrena Una doble vida (1959), en ese año se realiza también Le Signe du lion (1959) pero que no es estrenada hasta 1962 por Éric Rohmer, Pierre Kast presenta Le Bel Âge (1958), y por fin se estrena Al final de la escapada (1959), por Jean Luc Godard, la cual tiene un importante éxito en taquilla.

Al final de la escapada (1959). Fuente: elpais.com


A través del cortometraje que suele iniciar en la práctica cinematográfica, los considerados partícipes en el movimiento comienzan a incluir en sus proyectos ciertos planos que recuerdan a otros directores que admiraban como Hitchcock, haciendo que sus personajes vayan a ver las películas de la nouvelle vague, o la influencia americana que es perceptible en ellas, hablan además de las impresiones que les dejan los libros que leen citando fragmentos enteros, otras veces simplemente hacen que lean determinados libros que normalmente tienen que ver con el propio director. En algunas películas podemos ver también la marcada influencia de la música y la forma en que se hace referencia a la música improvisada, clásica o el jazz, el cual solía destacar.

Existe además una ruptura en el marco clásico espacio tiempo aplicando un montaje más original y deconstruido solapando diálogos repetidos entre puntos de vista de cámara durante la continuidad de una misma escena. Existe una búsqueda constante de naturalidad en la puesta en escena, a través de sets externos donde las películas se graban en escenarios reales sin iluminación, donde los directores de fotografía se ven obligados a usar en muchas ocasiones un stock de película que normalmente se usaba para fotografía fija y unir los carretes para juntar la longitud necesaria para la producción de un largometraje. Pueden ser interpretadas por jóvenes actores semiprofesionales e incluso aficionados sin experiencia. Los directores no dudan en pedir a los actores experimentar y jugar en su papel, para estar más en esta búsqueda de naturalidad cinematográfica. Se puede notar que los actores suelen ser jóvenes desilusionados, priorizan al individuo junto a la libertad mediante la irresponsabilidad, a través de personajes independientes. Los diálogos buscan una cierta naturalidad o los monólogos muestran los pensamientos momentáneos expresados en voz alta por el personaje en cuestión. Es esencial para recordar estos momentos romper la cuarta pared con el personaje dirigiéndose directamente a los espectadores. Además, al contar con decorados naturales y bajo presupuesto, la sociedad francesa quedaba retratada y muchas de las personas que salen en las películas no son conscientes de ello o miran a la cámara.

Durante Pierrot el loco (1965) Anna Karina rompiendo la cuarta pared mirando a la cámara. Fuente: efeeme.com

De este modo, anuncian una modernidad cinematográfica donde lo absurdo es el tema principal, y el mundo se representa como tal: los personajes y las situaciones no son ni buenas ni malas, son simplemente absurdas. Ser principiante en el sector es un enfoque voluntario que termina incluso imponiéndose caracterizando a la corriente, es decir, se prioriza la manera de experimentar y el propio resultado frente a la experiencia previa en el sector.




martes, 12 de mayo de 2020

EL FUTURO DE LOS CINES


CARMEN GÓMEZ/ICM-CIN

Hace ya tiempo que sufrimos el cierre de los cines a causa de la cuarentena que se está llevando a cabo en el país, pero… ¿Qué va a suceder en el futuro con los cines?

Durante los primeros días de cuarentena los cines decidieron permanecer abiertos respetando un protocolo contra el coronavirus que consistía en reducir el aforo de las salas mediante la técnica de dejar una butaca y una fila libres por cada persona, es decir, que los espectadores permanecerían separados entre sí por la distancia de una butaca.

Debido a la complejidad de la situación los cines terminaron cerrando y hasta ahora no hemos tenido noticias del futuro de los cines. Es por ello por lo que los estrenos de numerosas películas se han visto aplazados.

Actualmente con la incorporación de las nuevas fases de cuarentena a partir de la segunda fase los cines podrán abrir sus puertas con aforo reducido, pero no podrán realizar los estrenos de dichas películas ya que las fases no se aplicarán simultáneamente a todas las comunidades autónomas y los estrenos de las películas están programados para ser realizados de manera nacional. Debido a esto si las películas no se estrenasen de manera nacional y tuviesen fechas diferentes según la comunidad autónoma esto no solo afectaría a un descontento social sino a la recolecta de los datos de visualización e impacto de las películas lo que podría provocar un fracaso en el estreno de las mismas y una pérdida de dinero tanto para los cines como para las productoras y distribuidoras de las películas.

A causa de esto los estrenos de las películas mantendrán sus fechas aplazadas para que no se vean perjudicados, pero… ¿Qué ocurrirá con los cines cuando abran sus puertas de nuevo?

Algunos profesionales opinan que el aforo limitado debería aumentarse de un 30% a un 50% ya que un porcentaje tan reducido de aforo podría perjudicar la economía de los cines. A pesar de ello no sabremos cuales serán las próximas medidas que se tomen para la reapertura del cine por lo que no sabremos con certeza el futuro del cine durante las diferentes fases de la cuarentena hasta que esta misma termine.



Imagen recogida de: https://www.reasonwhy.es/precio-cine-espana-madrid-barcelona-facua

jueves, 7 de mayo de 2020

Comentario de la película Parásitos


Elena Pascual/ICM.CIN

Parásitos fue la película que marco el 2019, una gran desconocida en un principio para el público, pero llego a ser la película del año. Fue la primera película de habla no inglesa en ganar el premio Óscar a Mejor película, y a Mejor película internacional, también fue galardonada en los premios globo a la Mejor Película en Lengua Extranjera, en los Premios BAFTA ganó el premio a la mejor película de habla no inglesa y mejor guion original. Por otro lado, se convirtió en la primera película de habla no inglesa que ganó el premio del sindicato de actores a Mejor Reparto en una película.
Parásitos es una película que trata de una familia sur coreana de clase baja que tienen que engañar, mentir y realizar todo tipo de cosas para poder sobrevivir. El protagonista empieza sustituyendo a un amigo suyo en su trabajo de clases particulares de ingles a la hija de una familia adinerada, engañando sobre su título de inglés, este es el comienzo de un enredo de mentiras que irán trazando la familia del protagonista a través de alter egos que se crearan para poder entran a formar parte del lujoso hogar, creando un juego de falsas identidades para poder obtener trabajo y vivir.
La película va desde la comedia, el thriller y el miedo. Esconde una profunda crítica social a las situaciones que vive a diario millones de personas que tienen que sobrevivir día a día como pueden, y a la diferencia entre las distintas clases sociales. La película como su nombre indica nos muestra a los diferentes personajes como parásitos ya que unos a otros se necesitan para vivir, la familia humilde para poder vivir necesita trabajo por lo tanto comienzan con sus engaños, pero la familia adinerada no se queda atrás ya que necesitan de los servicios de la familia humilde para hacer hasta la tarea más simple.
Para terminar, me gustaría contar que esta película la fui a ver al cine con mi padre después de saber que había sido tan galardona, iba sin saber de qué trataba y me sorprendió mucho, ya que me parece que el ambiente estaba muy bien realizado,  ya que crea una tensión constante con un final sorprendente. 

Fuente: youtube 

jueves, 9 de abril de 2020

Una tarde perfecta en Inglaterra y Australia

Josué Amarilla / CIN

Debido a la situación que estamos viviendo en estos momentos es difícil encontrar una vía de escape, así que lo único que nos queda es la imaginación, y gracias al cine que nos puede facilitar a transportarnos a sitios remotos y a culturas totalmente distintas. Por eso te propongo un plan perfecto de manta y cine con las siguientes películas: My week with Marilyn (Mi semana con Marilyn) y The Dressmaker (La modista).

Ambas películas fueron grabadas en dos países diferentes, pero con una cultura y un pasado muy unidos, La modista fue grabada en Australia y Mi semana con Marilyn en Inglaterra, sin duda ambas películas fueron todo un descubrimiento y, mi favorita La modista que destaca por tener un espacio y carácter peculiar.

FUENTE: LAHIGUERA.NET

La modista con un aire muy diferente a las demás películas, donde se mezcla diferentes géneros como drama y comedia, pero lo mejor es el lugar que está inspirado en western, ya que vemos el paisaje árido de Australia. Su año de lanzamiento es 2015 y tiene una duración aproximada de dos horas, el personaje principal de la película es la actriz Kate Winslet y el guion es de Jocelyn Moorhouse. La película destaca por la moda de los años cincuenta que dejo para el descubrimiento de aquellos más curiosos.


FUENTE: ZIMBIO

Mi semana con Mrilyn personalmente es una película perfecta para una tarde de cine, donde destaca un paisaje y un ambiente muy inglés, que acompañan a los personajes. Como Marilyn tenemos a Michelle Willians quien hace una interpretación excelente del papel de Marilyn, también como un personaje principal se cuenta con la participación de Eddie Redmayne a quien personalmente considero como unos de los mejores actores que en 2015 realizó el papel de La chica danesa. Tiene una duración de una hora y cuarenta minutos, es del año 2011 y el guion es de Adrian Hodges.

Publicado el 9 de abril de 2020

miércoles, 8 de abril de 2020

EL HOYO

Ninoska Mayta / ICT-CIN-CUA-DOC

Durante esta cuarentena, las personas intentan aprovechar el tiempo de diferentes maneras, entre ellas destacan hobbies como la repostería, la lectura, manualidades, o simplemente pasar el rato con una buena serie, o película, es por esto que, plataformas como Netflix, HBO, Disney+, etc. Han tenido tanto éxito. 
Netflix posee un apartado de TOPS en series y películas, en ambas puedes encontrar las 10 que son más populares en tu país. En el caso de películas en España, por el momento destacan “EL DECLIVE”, “THE RUINS”, “LA CASA DE PAPEL EL FENÓMENO”, “UN PEQUEÑO FAVOR”, “PROYECTO RAMPAGE”, “NOCHE DE JUEGOS”, “READY PLAYER ONE”, “LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED”, y por supuesto, “EL HOYO”.
FUENTE: Netflix
En esta película se muestra una cárcel de múltiples pisos, la comida baja en una plataforma. Los presos de más arriba son los primeros en comer, y lo que sobra, se lo comen los de abajo, así planta tras planta, hasta que a los del final no les llega absolutamente nada. Se dice que hay suficiente comida para todos, si cada uno comiese únicamente lo que necesita, y no más, pero lastimosamente esto no es así, ya que cada uno vela por sí mismo. 
Se pueden apreciar numerosas metáforas de la sociedad en la que vivimos, ya que el piso en el que te encuentras es aleatorio, no depende de lo bueno o malo que seas, o lo listo o tonto. Sin embargo, ese piso es muy importante, ya que debes permanecer un mes en él, hasta que te cambian, pero si te toca en un piso muy bajo, es más que seguro que te morirás de hambre y no llegarás al siguiente mes. Muchas personas nacen en lugares en los que es muy difícil prosperar, o acceder a la educación, estas personas no han hecho nada, y sin embargo les toca vivir esa vida. El egoísmo también se ve, ya que los que están arriba no piensan en el bienestar de los de abajo, a pesar de qué dentro de un mes, muy probablemente sean ellos los que estén en esa situación. El final de la película queda abierto, para que cada uno reflexione sobre ello, sin embargo, muchas personas ya han sacado sus teorías a base de los detalles y contradicciones que se muestran en la película. El propio director de la película dijo que se grabó un final, pero que a la hora de montarla decidieron retirarlo. Esta película ha ganado el premio a la mejor película en el festival de Sitges.

FUENTE: Esta imagen es una captura de un tráiler.