LEÓN FERRARI - LA BONDADOSA CRUELDAD

Actualmente la colección La Bondadosa crueldad se encuentra expuesta temporalmente en el Reina Sofía, su obra causa mucha impresión ya que de lejos se percibe su intención de denunciar los actos injustos de los más poderosos, el poder entendido desde el más bajo, hasta el más alto como bien podría ser la iglesia.

En Argentina desató un fuerte debate en torno a la iglesia y la libertad de expresión, sin duda es uno de los artistas plásticos más provocadores e importantes del mundo, según New York Times.

Visité la exposición y fue inevitable quedar perpleja desde antes de entrar ya que hay un aviso que advierte de la sensibilidad de las imágenes, al principio pensé que se trataba de una burla, pero a medida que vas avanzando te das cuenta del verdadero significado de cada obra, va más allá de la provocación, el artista busca contar la verdad.

Una de las obras que más llamó mi atención fue la de la gallina disecada (fue quemada poco a poco, estando la misma en una jaula), no solo por la obra en si que ya bastante desagradable es, sino por las notas adjuntadas por parte de los espectadores en su momento. 

La civilización occidental y cristiana - León Ferrari (extraída de Artishock, revista de arte contemporáneo)

El MUSEO REINA SOFÍA inaugura una exposición de LEÓN FERRARI

Gabriela Proaño Vera ICT - ART 

 

Colección Roberto Polo

 

Stephanie Ortega Lozada/ ICM- MUS

La colección de Roberto Polo se encuentra en el Centro de Arte Moderno y Contemporáneo de Castilla - La Mancha (CORPO) y fue una iniciativa del Gobierno de esta Comunidad Autónoma. Dicha colección abrió sus puertas el 27 de marzo de 2019 y  cuenta con el mérito de formar parte de la lista de museos nacionales de la firma Sotheby´s Museums Network (SMN). Este museo es, sin lugar a dudas, una de las mejores atracciones que ver en Toledo. Sus exhibiciones innovadoras y colecciones son un cúmulo de cultura en un acogedor espacio público.

 

Una de las finalidades  de la colección Roberto Polo es la de proporcionarles a los nuevos artistas e historiadores del arte un espacio donde puedan proyectar y dar a conocer sus obras, lo cual es sin duda una oportunidad magnifica.

Fuente: https://guias-viajar.com/madrid/viajes-excursiones/toledo-coleccion-roberto- polo-arte-moderno-contemporaneo/ 

En la exposición podemos encontrar una colección de Arte Moderno y Contemporáneo, con obras como “A Street in Murnau” de Kandinsky, “Sade-sit” de Max Ernst, “Groteske” de Oskar Schlemmero, sin embargo también abarca otros temas importantes como las vanguardias y el futurismo que está representado en pintores destacados como Edmond Van Dooren, quien en 1919 imagino la ciudad del futuro y su obra la titulo “Impresión en la ciudad, Londres”,  y en ella utilizó óleo sobre lienzo.

El futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en torno a la figura del poeta y dramaturgo F.T Marinetti y su manifiesto publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909, en el que proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, glorificando las técnicas modernas y la vida en las grandes ciudades.

Fuente: realización propia

El museo es bastante grande por lo que está dividido en 12 salas y hay que añadir también  otros espacios como la Capilla de Bélen que es un lugar de oración de uso palaciego, el cual fue convertido por las órdenes cristianas en templo funerario, la Iglesia de Santiago (obra del arquitecto de origen flamenco Antón Egas, proyectada en el siglo XVI) y una escalera central barroca (obra de Jorge Manuel Theotocópuli, hijo natural de El Greco, siglo XVIII).

Fuente: https://www.coleccionrobertopolo.es/recorrido-por-las-salas/

 

Adicional , la colección esta formada por obras de artistas de las vanguardias históricas del norte, centro y este de Europa, a la par de la producción de creadores contemporáneos europeos y estadounidenses. Encontramos obras de alrededor de 171 artistas y entre ellos podemos citar a Schmidt-Rottluff, Pechstein, Kandinsky, Schelmmer, Schwitters, Moholy-Nagy, León Spilliaert o Xavier Mellery.

Vale destacar que la colección no solo cuenta con pinturas sino también con una colección de objetos de diseño industrial, mobiliario y esculturas como la de Maria Roosen que lleva por nombre “Red Roosenary”, 2008, cristal, cuerda de escalada y talla de Virgen del siglo XVI.

Todo esto hace de la visita un momento enriquecedor para el conocimiento cultural y el disfrute.

Fuente: https://www.arteinformado.com/galeria/maria-roosen/red-roosenary-29065

La lluvia bajo nuestros pies

 María Elena Herrera Ortiz ICM/POE

Hoy quiero caminar bajo la lluvia
y disfrazar las lágrimas que brotan de mi alma,
un alma que llora y sufre a la distancia
en esta penosa tormenta donde no hallaré la calma.

Hoy quiero que la lluvia sea mi cómplice
y me ayude a encontrarte bajo esta oscura noche,
la que siempre nos perteneció y nos resguardo
bajo su inmenso manto en donde ahora ardo yo.

Hoy quiero que me tomes de la mano
y me lleves por aquel jardín encantado
en donde tú tocabas el violín y yo el piano,
mientras la lluvia nos envolvía en un amor predestinado.

Hoy quiero olvidar que hay días en que no llueve,
que hay días de sol de los que no puedo esconderme,
que hay tardes en las que no veo caer la nieve
y noches en que nuestro amor nunca duerme.

Hoy quiero besarte bajo la lluvia
y recordar con nostalgia los días de invierno
en los que solíamos cantarle a la luna
y envolvernos en un sin fin de besos.

El arte como forma de evasión a la realidad

María Elena Herrera Ortiz ICM/POE/CART

Hola

Si estás leyendo esto a lo mejor ya me habré ido, o a lo mejor me habré quedado para volver a intentar conquistarte de las mil maneras que me sean posibles. Pero eso ya no importa. Mi padre me dijo que te olvide y siga mi camino. Y eso he hecho. Me he ido lejos, a los confines de esta tierra donde solo tocando mi laúd me transporto a mundos desconocidos.

He viajado por el mundo en mi carromato acompañado de tu esencia y de tus gratos recuerdos, los que un día fueron mi verdadera realidad. Ahora, descanso ya muerto en los jardines perdidos de todas aquellas historias olvidadas, anhelando lo vivido y deseando lo prohibido.

Querida, ya no hay luz en este lugar incierto y me he perdido como un tonto que busca un tesoro en el desierto sin un camino de regreso. Solo le pido a la luna que te lleve mis mejores canciones y al viento que toque tu mejilla con mis más dulces besos.

Amada mía, no me recuerdes como un loco que buscaba la perfección en sus melodías, recuérdame como aquel zagal que de su puño y letra componía para ti, mi bella flor de primavera. 

Introducción a la Nouvelle Vague

Laura Marquino Fernández. ICM-CIN

Para poder entender mejor tanto la corriente como las propias características a la hora de filmar en este periodo, es necesario saber que la nueva ola francesa se sitúa a partir de la II Guerra Mundial. Esto supuso una ruptura generacional y la aparición de la libertad en casi todo el mundo, a excepción de entre otros países España, que mantenía la dictadura franquista. La ola de libertad alcanzó de lleno al cine, y el país en que rompió con más fuerza esta ola fue una Francia en plena revolución social y política.

El término Nouvelle Vague aparece por primera vez impreso en Francia, 1957 cuando es publicado en el semanario L ́Express un artículo titulado con el nombre que designa a esta generación, insinuando en el mismo el cierto poder que tendrán estos jóvenes cineastas en el futuro, el cual comenzaría en 1959 hasta 1969 aproximadamente. La nouvelle vague es considerada por sus integrantes como un método o tendencia, donde a través de una nueva generación de directores tratan de experimentar con opciones cinematográficas consideradas aberrantes o bien restringidas en aquella época, poniendo en práctica recursos que no eran bien vistos a través de un cine de autor e independiente que toma forma y popularidad a través de este movimiento. 

Fuente: Pinterest

El punto de partida inicial dentro del largometraje en esta nueva generación de directores lo podemos situar en Chabrol, estrenando El bello Sergio (1959) y posteriormente el fenómeno que se produce en el Festival de Cannes, el cual es acompañado de un debate en los medios de comunicación, donde Marcel Camus obtiene en Cannes la Palma de Oro con Orfeo Negro (1959), François Truffaut 3el premio a la mejor dirección por Los 400 golpes (1959) o Alain Resnais recibe el apoyo del público y la crítica por Hiroshima mon amour (1959). Estas películas son consideradas como obras que se diferencian considerablemente de la producción convencional de la época, definiendo y consolidando la Nouvelle Vague. A partir de este momento, el número de óperas primas (se entiende como la primera obra artística de un autor) y de nuevos realizadores no hace más que aumentar. En diciembre de 1959 Chabrol estrena Una doble vida (1959), en ese año se realiza también Le Signe du lion (1959) pero que no es estrenada hasta 1962 por Éric Rohmer, Pierre Kast presenta Le Bel Âge (1958), y por fin se estrena Al final de la escapada (1959), por Jean Luc Godard, la cual tiene un importante éxito en taquilla.

Al final de la escapada (1959). Fuente: elpais.com

A través del cortometraje que suele iniciar en la práctica cinematográfica, los considerados partícipes en el movimiento comienzan a incluir en sus proyectos ciertos planos que recuerdan a otros directores que admiraban como Hitchcock, haciendo que sus personajes vayan a ver las películas de la nouvelle vague, o la influencia americana que es perceptible en ellas, hablan además de las impresiones que les dejan los libros que leen citando fragmentos enteros, otras veces simplemente hacen que lean determinados libros que normalmente tienen que ver con el propio director. En algunas películas podemos ver también la marcada influencia de la música y la forma en que se hace referencia a la música improvisada, clásica o el jazz, el cual solía destacar.

Existe además una ruptura en el marco clásico espacio tiempo aplicando un montaje más original y deconstruido solapando diálogos repetidos entre puntos de vista de cámara durante la continuidad de una misma escena. Existe una búsqueda constante de naturalidad en la puesta en escena, a través de sets externos donde las películas se graban en escenarios reales sin iluminación, donde los directores de fotografía se ven obligados a usar en muchas ocasiones un stock de película que normalmente se usaba para fotografía fija y unir los carretes para juntar la longitud necesaria para la producción de un largometraje. Pueden ser interpretadas por jóvenes actores semiprofesionales e incluso aficionados sin experiencia. Los directores no dudan en pedir a los actores experimentar y jugar en su papel, para estar más en esta búsqueda de naturalidad cinematográfica. Se puede notar que los actores suelen ser jóvenes desilusionados, priorizan al individuo junto a la libertad mediante la irresponsabilidad, a través de personajes independientes. Los diálogos buscan una cierta naturalidad o los monólogos muestran los pensamientos momentáneos expresados en voz alta por el personaje en cuestión. Es esencial para recordar estos momentos romper la cuarta pared con el personaje dirigiéndose directamente a los espectadores. Además, al contar con decorados naturales y bajo presupuesto, la sociedad francesa quedaba retratada y muchas de las personas que salen en las películas no son conscientes de ello o miran a la cámara.

Durante Pierrot el loco (1965) Anna Karina rompiendo la cuarta pared mirando a la cámara. Fuente: efeeme.com

De este modo, anuncian una modernidad cinematográfica donde lo absurdo es el tema principal, y el mundo se representa como tal: los personajes y las situaciones no son ni buenas ni malas, son simplemente absurdas. Ser principiante en el sector es un enfoque voluntario que termina incluso imponiéndose caracterizando a la corriente, es decir, se prioriza la manera de experimentar y el propio resultado frente a la experiencia previa en el sector.

SUN PROJECT PATREON

Celia de la Fuente Martín / ICM-ART

Hoy quería hablaros de una artista japonesa llamada Mimi N, quien comenzó a hacer comics en 2007 como parte de su terapia de epilepsia, lo cual ayuda a su condición y también porque le gusta explorar diferentes estilos de arte y tendencia. Actualmente, trabaja en un proyecto llamado “Sun Project”, junto con otros ilustradores, con los que crea ilustraciones bastantes crudas de la realidad, con el objetivo de concienciar a la gente sobre ciertos temas como el suicidio, el bulling, la depresión, entre otros.

Diría que su arte es bastante psicológico y su tema principal son las emociones. Juega con ellas, las moldea  y crea distintos escenarios, (la mayoría muy oscuros), sobre momentos que todo el mundo ha sufrido alguna vez. Yo creo que su arte es bastante interesante y te atrapa, porque una vez que ves las imágenes te sientes de alguna manera identificada, ya sea porque lo has vivido en tus propias carnes, o porque le ha pasado a otra persona que conoces.

La mayor parte de sus dibujos exponen lo crudo de la realidad, que choca contra lo que supuestamente es “ideal” en nuestra sociedad. Sus dibujos muestran lo más oscuro, lo que fingimos ser para encajar con los demás, la fachada que montamos a través de las redes sociales, lo que nos hace daño y lo que nos callamos para evitar ser odiados. Por lo general, no son buenos sentimientos: hay envidia, odio, dolor, resignación, miedo, etc.

Aunque no todo es malo, se nota que esta persona ha sufrido mucho, desde mi punto de vista, eso, o le parece más natural y normal expresar los malos sentimientos, porque son precisamente éstos los que la mayor parte de la gente rechaza o no quiere mostrar a otras personas, porque se podrían ver como nuestras “debilidades”. Yo creo que ella intenta mostrar que aunque son experiencias duras, forman parte de nosotros y no tenemos por qué negarlas o dejar que nos carcoman. Todos somos personas, no somos perfectos y todo el mundo lleva cargas consigo, unas pesan más, otras son más ligeras, pero no somos tan diferentes los unos de los otros como creemos. Lo importante es no rendirse y dejar que la carga que llevas te aplaste, por muy dura que sea, si te rindes, ese es el final.

Artista: Mimi N (Inner Conflict)

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ALPHONSE MUCHA

Celia de la Fuente Martín / ICM-ART

Yo conocí a Alphonse Mucha en el instituto y desde entonces me enamore de su hermoso arte. Por este motivo, cuando hace 2 años hubo una exposición sobre él en Madrid en el Palacio de Gaviria, fui a ver varias de sus pinturas, carteles, obras decorativas, joyas y bocetos, y conocer así un poco más a uno de mis artistas preferidos.

Para que conozcáis un poco más sobre este artista os voy a contar un poco sobre él. Alphonse Mucha era un artista checo considerado como el inventor del Art Nouveau, y fue uno de los máximos exponentes del modernismo europeo. Mucha empezó haciendo ilustraciones para revistas parisinas, y es donde se empieza a ver lo característico de su arte, el cual se centraría sobre todo en la sensualidad, combinando colores y formas llenas de armonía e influenciada por los ideales de la mujer romántica, lo que provoca que sus obras estén cargadas de simbolismo.

Algunas de sus obras más importantes fueron: Gismonda (1894), Sarah Bernhardt (1896), las Cuatro Estaciones (1896), La Princesse Lointaine (1896), Zodiac (1896), Dance (1898), Autorretrato (1899), etc.

El cartel de teatro que hizo para la actriz Sarah Bernhardt (1896), una de las actrices más populares de la época, hizo que Mucha se convirtiera en un icono publicitario.

Pero Mucha no solo utilizo su arte en publicidad, decoración, carteles, billetes, sellos y bellas artes, sino que también hizo joyas, cartas patentes y cálices ceremoniales. Este artista quiso difundir con su arte las tres virtudes fundamentales en la evolución del ser humano: la belleza, la verdad y el amor.

Autor: Alphonse Mucha, Summer (1896)